MusiktippsWarum das neue Album der Deftones überzeugt und andere Neuerscheinungen nicht

Mechatok, soit Emir Timur Tokdemir dans le civil, occupe un poste singulier dans la cartographie mouvante de la pop et de l’expérimental. Entre les tournées planétaires et les échanges avec Drain Gang, Lorenzo Senni ou Charli XCX, le producteur munichois a façonné une écriture sonore hybride: électronique tendre, minutieuse mais perméable au hasard. „Wide Awake“, premier album après des années de fragments éparpillés, accueille une constellation de voix issues de l’hyperpop, du rap ou du néo-R&B: Bladee, Ecco2k, Isabella Lovestory … Tokdemir travaille comme un monteur de pellicule. Derrière son Virus TI Snow, il découpe et recolle les couplets, les distord pour en extraire des aveux chuchotés. Pour lui, la production n’est qu’un prolongement de l’écriture: „Don’t Say No“ dédouble la voix jusqu’à l’effet ricochet, „Expression On Your Face“ frôle le 8-bit sans jamais s’y noyer, „Everything“ s’offre comme un post-R&B miniature, ou quasi un point-virgule entre deux plages. „Virus Freestyle“ donne l’impression d’une démo laissée ouverte, comme si la chanson refusait d’être close, et c’est bien là l’un des privilèges de l’électronique: pouvoir, par le remix, rester en chantier à l’infini. Les morceaux se balancent entre la nostalgie pixelisée et un futurisme ludique, via des couleurs de jeu vidéo années 2000 qui reviennent comme un souvenir non daté. „Addiction“ trotte en sifflotant sur des borborygmes vocaux, tandis que „House of Glass“ densifie l’atmosphère, qui devient menaçante. Les surprises s’enchaînent: „When You Lef“ joue la syncope, rap intermittent sur BPM veloutés; „Sunkiss » laisse le beat s’effriter jusqu’à ne plus rester que des sommets synthétiques et la sensation d’un coucher de soleil arrêté net. Au sujet de sa musique, Tokdemir parle d’„euphorie mélancolique“. Le disque est sorti en ce mois d’août, mais il n’est ni solaire ni nocturne, il est plutôt les deux; il danse à la plage comme sous les stroboscopes.

Sydney Chadwick (basse, chant), Cameron Lowe (guitare) et Joel Taylor (batterie) reviennent avec „Danger in Fives“, troisième album qui prolonge leur langage tout en l’affûtant. C’est comme si le trio avait poli la surface sans en atténuer les aspérités. La musique conserve ces virages soudains où les guitares de Lowe tranchent net, portées par la section rythmique agile de Chadwick et Taylor. Le morceau-titre s’ouvre sur une basse qui bat comme un cœur inquiet, traversée d’éclats vocaux dont les échos vaporeux peuvent rappeler Blonde Redhead, tandis que la batterie, oscillant entre shuffle et contretemps, tisse un groove qui refuse de se reposer. La voix de Chadwick, poétique mais fuyante, glisse au-dessus d’un soubassement nerveux. „Cloud 36“ s’élance sur une guitare vacillante, bientôt rejointe par une basse et une batterie qui s’esquivent et se poursuivent comme deux animaux en terrain étranger. Composé en tournée, l’album s’éloigne des sessions en sous-sol qui dictaient jusqu’alors leur écriture. Ce déplacement se ressent: „A Dog Says“ et „Neon Bog“ paraissent plus déliées, travaillées par des textures accidentelles. Les réminiscences s’entrecroisent, post-punk, indie 1990, mais aussi cette vague 2000 qui les recyclait déjà, sans pour autant se figer dans la citation. Chadwick filtre ses thèmes, relations en mutation, fatigue du quotidien, à travers des récits où nagent des animaux marins ou s’éternise la flânerie dans un centre commercial poussiéreux. Ici, les structures se défont. Le trio opte pour des trajets linéaires, sans couplet ni refrain strict. Chadwick, abandonnant un chant rock plus frontal, étire les syllabes, les disloque pour en faire des percussions souples, en contrepoint de la guitare fébrile de Lowe. Le rythme se décline en variantes, le souffle est prolongé jusqu’à ce que les mots se dissolvent. „Neon Bog“ déploie un solo fuzz traîné comme une ombre sur un rythme clic-clac, fragile passerelle aux lattes disjointes. „Common Things“, avec ses harmonies feutrées et son outro qui crépite comme un feu lointain, s’avance telle une relique des disques passés, devenue ici un îlot seul, perdu dans la carte mouvante et déstructurée de cet album.

Wenn über eine jahrelang aktive Band gesagt werden kann, dass man sie schon nach wenigen Sekunden eines neuen Liedes zweifelsfrei erkennt, hat diese sehr viel richtig gemacht. Wenn sie zudem immer wieder Songs veröffentlicht, die ihren Fans gefallen und die nicht enttäuschen, ebenfalls. Beides trifft auf die Alternative-Rocker Deftones zu, die seit 1998 aktiv sind und dieser Tage ihr zehntes Album „private music“ veröffentlicht haben.

Die Band nahm die elf Songs, die über einen Zeitraum von drei Jahren entstanden sind, an mehreren Locations in Kalifornien mit Nick Raskulinecz auf, der bereits ihre Alben „Diamond Eyes“ (2010) und „Koi No Yokan“ (2012) produziert hatte. Es ist das erste Werk, auf dem Live-Bassist Fred Sablan zu hören ist, nachdem Sergio Vega in 2021 ausgestiegen war. Deftones und Bassisten, das ist eine ganz eigene Geschichte. Man denke an Chi Cheng, der 2008 in einen Autounfall verwickelt und bis zu seinem Tode im April 2013 im halb-komatösem Zustand gefangen war.

Auf „private music“ bieten Deftones ihren Fans dynamische Songs wie „my mind is a mountain“, „locked club“ und „milk of the madonna“ (alle Titel sind kleingeschrieben), in „ecdysis“ und „cYx“ kleinere Industrial- oder Electro-Versatzstücke, Epochales („~metal dream“) und Episches („departing the body“). In nahezu jedem Stück schlummert unter der Oberfläche eine gehörige Portion Wut, die sich immer wieder freikämpft. Moreno beherrscht immer noch mit seiner Stimme das Spiel zwischen introvertierter Melancholie und explosivem Wutausbruch. Er sagte auch im Interview mit Apple-Music-Moderator Zane Love, die Mitglieder wollten ein Album mit Leidenschaft und Ehrlichkeit erschaffen. Selbst wenn sie mit „private music“ keinen Hit landen, würden sie ganz sicher kein schlechtes Album veröffentlichen. Diese Bescheidenheit ist sympathisch, die Zweifel sind indes grundlos.

Sie hatten es als „klassisches Pop/Rock Album“ angekündigt, genauer gesagt von der Musik der 70er-Jahre inspiriert. Von daher darf sich niemand wundern, dass Wolf Alice ihre Kanten und Ecken, die sie auf ihrem Debüt „My Love Is Col“ (2015) zur Schau trugen, weitestgehend eingebüßt haben. „The Clearing“, ihr erstes Album für das Sony Music-Label RCA, haben die Briten um Frontfrau Ellie Rowsell mit Greg Kurstin in Los Angeles aufgenommen. Der kennt sich im Pop (Sia, Adele) und im Rock (Foo Fighters, Liam Gallagher) bestens aus, insbesondere wenn es um Charttauglichkeit geht.

Wer nun ein paar Tränen der Wehmut wegen ihres zu Anfangstagen rockigeren und raueren Sound verdrückt, dem kann das niemand verdenken. Einer der besten Songs auf ihrem vierten Album ist denn auch – zumindest in der zweiten Hälfte – verhältnismäßig wild und laut: „Bloom Baby Bloom“. „Ich wollte einen Rocksong – mit dem Fokus auf die Performance, wie man es bei einem Rocksong erwartet – und ich wollte singen wie Axl Rose, aber dabei über das Frausein singen“, erklärte Rowsell. Und sie meint nicht das heutige Mickey Mouse-Imitat eines Guns’n’Roses-Sängers, sondern den von früher. Eingerahmt wird dieser Höhepunkt von der betörenden, mit Streichern unterlegten Opulenz namens „Thorns“ und der 70er-Jahre-Ballade „Just Tow Girls“, die an Fleetwood Mac erinnert.

Im weiteren Verlauf blinzeln Wolf Alice in Richtung Country („Leaning Against The Wall“) und Folkrock („Passenger Seat“) und gehen voll im 70er-Jahre-Rock auf („Bread Butter Tea Sugar“). Nach ein paar mittelmäßigen Songs finden sie am Ende mit den Singleauskopplungen „White Horses“ und „The Sofa“ wieder in die Spur. Was bleibt unterm Strich? Ein Album, in das man sich geduldig hineinhören muss, mit dem bisher besten Artwork der Briten.